Entrevistamos al artista español SpY, que nos habla sobre sus últimos proyectos y su manera de transformar los espacios públicos en experiencias colectivas.
De los muros de Madrid a hospitales suizos y a los pies de las pirámides de Giza, el artista español SpY transforma los espacios con obras que combinan precisión técnica, carga conceptual y una poderosa experiencia sensorial. Su trayectoria ha evolucionado hacia instalaciones monumentales e inmersivas capaces de dialogar con cada lugar y provocar nuevas formas de mirar lo cotidiano.
Imagen superior: Golden Monoliths. Todas las fotos: Rubén P. Bescos
Ovoid
SpY es uno de los nombres imprescindibles cuando se habla de la evolución del arte urbano hacia el contexto internacional del arte contemporáneo. Su carrera comenzó en Madrid en la década de los noventa, en plena efervescencia del graffiti, y desde entonces no ha dejado de expandir sus lenguajes y soportes. Lo que empezó como un gesto de intervención crítica en el espacio público se ha convertido en una práctica artística reconocida en todo el mundo, capaz de habitar tanto las calles como los museos e instituciones, siempre fiel a una idea: provocar al espectador para que se mire a sí mismo y a su entorno desde otro ángulo.
Blankets 2
Entre lo poético y lo monumental
Sus obras, a la vez minimalistas y monumentales, se caracterizan por una fuerte carga conceptual y por generar experiencias sensoriales directas. En Blankets, por ejemplo, transformó cientos de mantas térmicas en una instalación que evocaba el movimiento del océano, uniendo dramatismo simbólico y fuerza estética. Ese mismo cruce entre lo poético y lo material, entre lo técnico y lo simbólico, es el hilo que atraviesa toda su trayectoria.
Orb
En los últimos años, su práctica ha explorado nuevas dimensiones tecnológicas y cinéticas, incorporando el movimiento y el tiempo como materiales escultóricos. Obras como Loops o Cycles revelan un interés por crear piezas que no son objetos estáticos, sino coreografías visuales que cambian con cada mirada y cada instante, invitando a una relación activa con el espectador. Más allá de las técnicas o los formatos, lo que realmente define su trabajo es la capacidad de adaptación al lugar. Desde un entorno monumental como las pirámides de Giza hasta el interior de un hospital suizo, cada proyecto nace de un diálogo con el espacio y con quienes lo habitan, generando resonancias culturales, emocionales y políticas.
Cycles
Entrevistamos a SpY sobre sus proyectos más recientes
Belén Vera: Recientemente, has instalado piezas en contextos muy distintos, desde hospitales en Suiza hasta eventos frente a las pirámides de Giza. ¿Cómo cambia tu aproximación según el lugar y el público?
SpY: Pensar en la experiencia del lugar en conjunto con la obra, así como en la relación que establece el público al experimentarla, es fundamental cuando desarrollo nuevas propuestas. Procuro sugerir intenciones específicas acerca de cómo se percibirá la obra a través del tiempo, el espacio y el movimiento. Aun así, resulta totalmente impredecible la forma en que el público toma conciencia de su situación física y emocional frente a ella.
Loops
Desde los primeros planteamientos, es muy distinto enfrentarse a un espacio como las pirámides de Giza que a un atrio de un hospital en Suiza. No se trata solo de cuestiones formales o técnicas: también entran en juego factores como la cultura, la experiencia, el espacio, la temporalidad y, sobre todo, el grado de especificidad que cada proyecto requiere. En algunos casos, las obras generan diálogos con el espacio; en otros, operan en contradicción con el lugar donde se presentan. Aunque los contextos pueden definir el contenido, siempre busco que la expresión trascienda esas condiciones para que la obra no quede esclavizada al sitio.
Orb
Lo cotidiano como detonante creativo
B.V.: Tus últimas obras combinan minimalismo formal con gran carga conceptual. ¿Cómo equilibras estos dos aspectos?
SpY: A menudo exploro la creación de nuevas obras a partir de objetos corrientes. Tomo elementos de la vida cotidiana o de la imaginería colectiva —algo que todo el mundo ha visto, conoce y da por sentado— para multiplicarlos y disponerlos en un patrón inédito. Este simple gesto ya genera una situación novedosa para el espectador y provoca una primera impresión intrigante. En Blankets 1 y 2 trabajé con la percepción del espacio, el lugar, el tiempo, el movimiento y el sonido a través de unas instalaciones cinéticas construidas con un objeto cargado de gran simbolismo.
Blankets 1
Ambas obras estaban compuestas por cientos de mantas de salvamento, habitualmente utilizadas en contextos de accidentes, rescates y para cubrir a los fallecidos. Estas mantas doradas fueron re-significadas como material artístico para conformar una instalación en movimiento que generaba patrones de ondulación, reflejos de luz y un campo sonoro que evocaba la inmensidad de un océano lejano. Lo que transmite el objeto en sí resulta muy poderoso cuando se multiplica y se le otorga una intención. De este modo, surge un dramatismo que contrasta de forma contundente con la estética complaciente, dorada y repetitiva de la instalación.
Blankets 2
Materiales con intención
B.V.: ¿Cómo eliges los materiales para que dialoguen con el movimiento y la percepción? Has incorporado algún material nuevo en los últimos años?
SpY: Cuando se trata de una forma, un color, un material o el uso de la luz, no busco que funcionen como meros ornamentos decorativos. Me interesa que tengan una intención clara en lo que la obra expresa. En algunos casos, el propio material ya posee cualidades intrínsecas que le confieren distintos valores. Por ejemplo, de nuevo en Blankets, las mantas térmicas aportaban características materiales muy específicas: el color dorado y plateado que produce reflejos y brillo, la ligereza de un plástico fino y volátil que reacciona al aire de manera sutil o violenta según se lo provoque, y una dimensión sonora particular. Individualmente, ese sonido podría recordar al de un plástico agitado por el viento, pero en conjunto se transforma en una sonoridad comparable a la de las olas del océano.
Golden Monoliths
Descubrí en el público una atracción casi instintiva hacia ese color y ese material. En el caso de Golden Monoliths, busqué deliberadamente pintarlos de dorado por la fuerte carga simbólica en la historia que este color conlleva. Lejos de ser un gesto decorativo, este tratamiento transformaba su propósito industrial en una revisión artística que oscilaba entre lo funcional y lo simbólico.
“Busco que la tecnología no se convierta en un artificio técnico o estético, sino en una vía para transmitir emociones en el público.” SpY
Cycles
B.V.: Trabajas con programación, ingeniería y sistemas de control a medida. ¿Qué papel tiene la tecnología en tu obra?
SpY: Busco que las propuestas transmitan y evoquen emociones en el público, de modo que la tecnología y las herramientas digitales no se conviertan en un mero artificio técnico o estético. Actualmente me interesa investigar y experimentar con el arte cinético a través de nuevas herramientas y medios que combinan elementos digitales, mecánicos e incluso naturales. La cinética me resulta especialmente valiosa como vía para generar interacción entre el espectador y la obra. En este proceso suelo activar cuatro factores principales que, en conjunto, dan vida a mis piezas y enriquecen la experiencia del público.
Loops
El primero es el elemento formal, con su contenido conceptual, así como su color, geometría y materialidad. El segundo es el público, al que se invita a recorrer la pieza y a contemplarla desde distintas perspectivas. El tercer elemento es el movimiento de la obra provocado bien de forma mecánico o natural. Y el cuarto y último elemento es el tiempo, entendido como simultaneidad, como la experiencia del presente. Cada instante de observación se encuentra con un momento preciso de la progresión formal, revelando literalmente una nueva obra en un abrir y cerrar de ojos. Una de las obras más significativas en las que la tecnología ha tenido un papel fundamental es Loops, una escultura cinética a gran escala en la que trabajé durante más de dos años y que actualmente está instalada de forma permanente en el atrio del hospital más grande de Suiza.
Loops
El hecho de desarrollar la pieza en un entorno hospitalario supuso un desafío especial. Aunque el mayor reto consistió en diseñar una obra de alta precisión tecnológica y capaz de funcionar permanentemente, el proceso creativo nació de una pregunta esencial: «¿Cómo puede el arte desempeñar un papel positivo dentro de un hospital y nutrir emocionalmente a quienes lo habitan?»
Loops. Foto Rubén P. Bescos
De la contemplación a la participación del público
B.V.: ¿Cómo crees que ha cambiado la respuesta del público a tu trabajo en estos últimos años, especialmente con obras inmersivas como Eclipses o Cycles?
SpY: A lo largo de los años he explorado nuevos formatos, escalas, experiencias y diálogos con el espacio que, de manera natural, han provocado cambios en el comportamiento del público. La respuesta varía según el contexto, las cualidades de la pieza, su mensaje y la experiencia que propone. En mis obras más recientes la interacción del espectador adquiere un papel aún más activo. He observado que este tipo de propuestas despiertan en el público una reacción más reflexiva, emocional y participativa. No se trata solo de mirar una obra, sino de observarla, experimentarla y estar presente frente a ella.
Cycles
En mi experiencia como espectador, me emociona cuando una obra de arte no me deja indiferente; ese aprendizaje lo aplico en mis propios proyectos. Por eso busco que cada pieza tenga la capacidad de interpelar al público desde distintos lugares y generar experiencias significativas. Vivimos un tiempo en el que la atención está prácticamente dominada por las fuerzas digitales y la superabundancia visual afecta nuestra experiencia estética. Sin embargo, todavía existe un público que busca ver, contemplar y reflexionar desde un estado de mayor presencia.
Eclipses
Esculturas coreografiadas
B.V.: Tu última pieza, Cycles, presenta nueve anillos girando a distintas velocidades. ¿Qué significa para ti esta coreografía en relación con el tiempo y el ritmo urbano?
SpY: Esta obra da continuidad a mi trabajo de exploración de obras cinéticas iniciado con Loops donde empleo el movimiento y el tiempo como materiales escultóricos. Cycles es una escultura cinética compuesta por nueve anillos de acero que giran sobre su eje a distintas velocidades, generando un conjunto visual en continua transformación. Mi intención era invitar al publico a repensar la forma escultórica no como un objeto acabado, sino como una consecuencia del movimiento y del tiempo como un acto activo, físico y mental.
Cycles
Los anillos rotan dentro de un delicado pero calculado equilibrio creando un ciclo continuo que produce patrones infinitos, en los que las formas colisionan visualmente y se transforman ante la mirada del espectador provocando un estado de dislocación en la percepción. En este proceso, figuras que parecían estables se tornan ambiguas, generando ilusiones que afectan a la percepción del público. La rotación constante confunde la lectura espacial de los anillos y desdibuja las nociones de giro y profundidad.
Ovoid
“La ligereza aparente de un óvalo suspendido en el aire o la presencia monumental de columnas doradas en plena ciudad solo son posibles gracias a un trabajo colectivo, donde ingenieros, técnicos y equipos especializados convierten lo imposible en realidad.” SpY
Ovoid
B.V.: ¿Cómo imaginas la interacción del público con esta obra, que cambia constantemente según el momento?
SpY: Es una escultura que invita a la contemplación. Si le dedicas unos momentos de atención, te absorbe y te reta a interpretarla. La pérdida de referencias espaciales impide fijar una imagen estable de la pieza y genera una sensación de desorientación visual. El cerebro se ve obligado a realizar ajustes constantes, ya que la superposición de formas y vacíos provoca la pérdida de la percepción de profundidad en el espacio. El único modo de comprender verdaderamente esta obra es experimentarla físicamente.
Golden Monoliths
B.V.: ¿Cuál ha sido el reto técnico más complejo al que te has enfrentado recientemente?
SpY: Al proponer obras de distinta naturaleza, escala, materiales y ubicaciones, surgen todo tipo de retos técnicos, logísticos y legales que es necesario afrontar. Por lo general, instalar obras temporales en exteriores implica complejidades técnicas mucho mayores de lo que uno podría esperar. Recientemente, en Riad, presentamos una obra llamada Ovoid, un gran óvalo rojo iluminado de 35 metros de altura suspendido de un puente. El desafío consistió en garantizar la estabilidad estructural de una pieza de esa envergadura en un entorno urbano y en condiciones climáticas exigentes.
Ovoid
Otro proyecto especialmente exigente fue Golden Monoliths, instalado en Lille (Francia), donde permanecerá hasta noviembre de 2025. Trabajar en una calle principal de la ciudad con elementos verticales de la escala de un contenedor marítimo supuso un gran reto técnico, ya que era fundamental garantizar la seguridad del público durante los seis meses de exhibición, al tiempo que se respetaba el contexto urbano y su dinámica cotidiana. En ambos casos detrás de esa experiencia hay un engranaje enorme de cálculos, maquinaria y manos expertas. La ligereza aparente de un óvalo suspendido en el aire o la presencia monumental de columnas doradas en plena ciudad solo son posibles gracias a un trabajo colectivo, donde ingenieros, técnicos y equipos especializados convierten lo imposible en realidad. El resultado se sostiene sobre ese desafío: transformar complejidad técnica en una experiencia estética capaz de emocionar.
Golden Monoliths
Futuros caminos
B.V.: ¿Hay alguna ciudad o contexto en el que sueñes con intervenir y que aún tengas pendiente?
SpY: Tengo en mi archivo una propuesta que siempre me ha apetecido realizar: incendiar el Pabellón de España en la Bienal de Venecia, por supuesto como una instalación artística.
Matriz
B.V.: ¿Qué es lo siguiente en lo que estás trabajando?
SpY: Indistintamente de si se trata de una instalación, una escultura o una intervención, quiero crear dialécticas entre la obra, el lugar y la percepción del público, sin importar si ocurre en un entorno urbano o en un museo. Los espacios urbanos siempre me sugieren fórmulas de trabajo más ricas, aunque plantean otros retos: en la calle suceden cosas y se generan situaciones alrededor de las obras, mientras que los museos resultan más asépticos y la experiencia se desarrolla de otra manera. Quiero seguir explorando nuevos formatos que den lugar a conceptos, diálogos, procesos y herramientas diferentes, así como a nuevas formas de suscitar reflexión mediante diversas estrategias artísticas.
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