Canícula, exposición organizada en Venecia coincidiendo con la Bienal de Arte, reúne 8 películas que exploran desde el cine experimental, el colapso climático, político y social contemporáneo.
Una localización espectacular: el Complesso dell’Ospedaletto de Venecia alberga estos meses, en paralelo a la Bienal de Arte, una de las mejores propuestas cinematográficas del año: Canícula. Se trata de una muestra colectiva que ocupa distintas salas del Hospital Civil veneciano, joya de la arquitectura renacentista italiana, digna de visitarse incluso sin recorrer las diferentes exposiciones que acoge eventualmente. La exposición podrá visitarse hasta el 22 de noviembre de 2026.
Imagen superior: Wang Tuo. The Experimental Paradigm of Ownership and Autonomy. @NataliaPiñuel
Yuyan Wang. Boring Billion
El diseño expositivo constituye todo un espectáculo.
Obra del estudio 2050+, se integra plenamente en el discurso curatorial desarrollado por los comisarios, Leonardo Bigazzi y Paola Ugolini, en lugar de limitarse a ser un mero escenario. Funciona, así como una extensión de las películas, traduciendo sus atmósferas y ritmos a una forma espacial de carácter teatral que dialoga tanto con las obras como con la propia arquitectura del recinto. Una cuidada iluminación articula las distintas salas y los espacios de tránsito.
Canícula es el término latino que aún se utiliza en buena parte del Mediterráneo para designar los días más calurosos del verano.
En la Antigüedad, la palabra estaba asociada tanto a la abundancia como a la posibilidad de una sequía catastrófica. A través de ocho videoinstalaciones encargadas a diez artistas internacionales y producidas por la Fondazione In Between Art Film, presidida por la diseñadora Beatrice Bulgari desde su creación en 2019, la exposición aborda un momento histórico polarizado y saturado de opiniones y de condiciones climáticas extremas.
Lawrence Abu Hamdan. 450XL: The Story of a Fugitive Sound
Las películas exploran las dimensiones psicológicas, políticas y sociales de un clima cada vez más intolerable.
El calor abrasador y la luz cegadora se convierten en metáforas del colapso de unos valores sociales y de unas conciencias individuales que creíamos consolidadas. A esta imagen de un derrumbe inminente contribuyen cuestiones más específicas como la sobreinformación en internet, los mecanismos de control, la guerra, la ciencia, el consumo, la memoria o el uso de las inteligencias artificiales como administradoras del poder y de la verdad.
Canícula pone fin a la Trilogía de las incertidumbres, un ciclo que, desde 2022, reflexiona sobre el papel de las imágenes en el arte contemporáneo. Cada uno de sus capítulos se inspira en una condición ambiental concreta: comenzó con Penumbra (2022), continuó con Nebula (2024) y culmina ahora con el exceso de luz y calor que caracteriza a Canícula.
Janis Rafa. Baby I’m Yours, Forever
El recorrido arranca con la pieza monocanal Baby I’m Yours, Forever, de la artista griega Janis Rafa.
Localizada en un matadero, la obra se adentra en el sistema de maquinaria y en las distintas salas destinadas al transporte, despiece, refrigeración, envasado y almacenamiento de los animales. Todo ello aparece inmerso en un resplandor artificial y saturado que intensifica una atmósfera inquietante, a medio camino entre la estética barroca y Francis Bacon. La película se articula mediante una sucesión de acciones coreografiadas que, en determinados momentos, quedan suspendidas. Gestos y fragmentos de cuerpos, tanto humanos como no humanos, revelan los mecanismos de control que rigen estos espacios.
Yuyan Wang. Boring Billion
La segunda pieza, Boring Billion, de la artista china Yuyan Wang, parte de su habitual trabajo con imágenes de archivo.
En esta ocasión construye una película de montaje a partir de materiales extraídos de internet, ensamblados al ritmo de una banda sonora que recupera el tema All This Love, de DeBarge, interpretado aquí por una voz distorsionada y metálica que acentúa la sensación de incertidumbre.
Massimo D’Anolfi y Martina Parenti. 24 Landscapes + A Vision. @NataliaPiñuel
La tercera instalación, 24 Landscapes + A Vision, de la dupla italiana formada por Massimo D’Anolfi y Martina Parenti, se presenta como una obra multicanal precedida por un pasillo inundado de luz que conduce al visitante a una sala completamente a oscuras.
La instalación rinde homenaje a los orígenes del cine y se compone de 24 secuencias —en alusión a los 24 fotogramas por segundo del cine analógico— extraídas de los últimos veinte años de la trayectoria documental de ambos, durante los cuales han trabajado con diversos territorios, comunidades y archivos. En la obra confluyen múltiples temporalidades, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad, estableciendo un diálogo entre pasado y presente. El trabajo de D’Anolfi y Parenti ha podido verse en festivales como la Berlinale, la Biennale Cinema, el Locarno Film Festival, Hot Docs, el Montreal International Documentary Festival o el IDFA. Esta es, la primera ocasión en que conciben una película específicamente para un formato expositivo.
P. Staff. Terminal Lucidity
Terminal Lucidity, del artista británico P. Staff, nos conduce hasta la cuarta propuesta.
El título alude a ese fenómeno por el que, poco antes de la muerte, algunas personas experimentan un retorno inesperado de la conciencia, una gran claridad mental o incluso la recuperación de la memoria perdida. Este proceso fisiológico es puesto en diálogo con la antigua función del Complesso dell’Ospedaletto como institución hospitalaria y de reposo.
La obra es todo un compendio de imágenes saturadas y abstractas entendidas como imágenes residuales en la retina o fantasmagorías. La obra incorpora referencias al cine estructural y a las prácticas del cine expandido, un lenguaje que P. Staff desarrolla en colaboración con el músico Lukas Frank y la diseñadora de iluminación Josephine Wang.
Lawrence Abu Hamdan. 450XL: The Story of a Fugitive Sound. @NataliaPiñuel
Quince pantallas conforman 450XL: The Story of a Fugitive Sound, la instalación realizada por el artista jordano Lawrence Abu Hamdan.
La obra pone el foco en los movimientos estudiantiles serbios de resistencia y activismo surgidos tras el derrumbe de la marquesina de la estación de tren de Novi Sad, en noviembre de 2024, una tragedia que causó la muerte de quince personas. Desde entonces, los manifestantes se reúnen regularmente para reclamar una investigación sobre lo ocurrido y guardan quince minutos de silencio en memoria de las víctimas.
Abu Hamdan es videoartista, pero también investigador del sonido así concibe esta instalación en torno a lo que define como «un sonido fugitivo», situado en el centro mismo de aquellos acontecimientos: un sonido cuya existencia fue negada por las autoridades serbias y rusas, indetectable para los micrófonos, pero descrito en más de tres mil testimonios que llegaron a su estudio cuando se supo que iba a llevar a cabo la obra.
Wang Tuo. The Experimental Paradigm of Ownership and Autonomy
China vuelve a estar representada con The Experimental Paradigm of Ownership and Autonomy, dirigida por Wang Tuo, reafirmando una vez más que algunas de las propuestas más innovadoras e interesantes del arte contemporáneo llegan desde el sudeste asiático.
La instalación, compuesta por dos pantallas, se basa en el libro Critical Theory of Absence, escrito por el propio artista en 2022 que explora la tensión entre la experiencia individual de los acontecimientos y las estructuras organizadas de la vida política. La narración gira en torno a la historia ficticia de Qū —la palabra china para «torso»—, una mujer con discapacidad que forma parte de un colectivo de activistas de izquierda en China. La fragilidad de los cuerpos se convierte aquí en una metáfora de la heterogeneidad de la memoria colectiva.
Maya Watanave. Jarkov
Llegamos a la obra nº7 y a la artista más reconocida y reconocible para el espectador de España Jarkov de Maya Watanabe, artista peruana que durante años ha vivido y trabajado en Madrid.
La historia de Jarkov es la del profundo cambio y crisis climática que estamos viviendo. En las últimas dos décadas, el permafrost del Ártico ha perdido un metro de espesor cada año. A medida que se derrite, deja al descubierto cadáveres de la época del Pleistoceno. Enterrados en el hielo durante milenios, estos cuerpos congelados parecen estar bien conservados frente al paso del tiempo y la descomposición, y en ocasiones conservan intactos el pelaje, la piel y los órganos internos.
Jarkov es un mamut lanudo completo que murió hace 20.000 años. Tras su descubrimiento, en lugar de ser excavado, se extrajo como una única masa sólida junto con la tierra circundante. Como resultado, los restos del mamut quedan encerrados en un bloque de permafrost, del que solo se ven parches de piel y pelo en la superficie, así como dos colmillos que sobresalen. Tallado en el permafrost del norte de Siberia, un túnel subterráneo alberga el bloque de 23 toneladas que contiene a Jarkov. La caverna subterránea congelada mantiene una temperatura constante de -12 °C durante todo el año, lo que evita que el bloque se descongele.
Roman Khimei y Yarema Malashchuk. Wishful Thinking. @NataliaPiñuel
Y por último la instalación Wishful Thinking de Roman Khimei y Yarema Malashchuk
El dúo de artistas ucranianos formado por Roman Khimei y Yarema Malashchuk presentó la pasada primavera en el TBA21 del Museo Thyssen de Madrid, una de las mejores exposiciones del año en la capital: Pedagogías de Guerra donde desde un lugar muy alejado a las estéticas televisivas de la guerra, cuentan a través de imágenes sobre la fragilidad de la paz, la estética de la emergencia y la incómoda coexistencia entre el olvido y la memoria. En esta instalación: Wishful Thinking ubicada en tres salas continúan poniendo en primer plano la experiencia vivida de las victimas por encima de la representación política.
Roman Khimei y Yarema Malashchuk. Wishful Thinking
Después de visitar Canícula, para verla completa se requieren unas tres horas, queda claro que el museo en la actualidad, se entiende no solo como un refugio climático para unos veranos cada vez más largos, sino también como el único espacio donde es posible ver un cine más experimental, arriesgado y situado en los márgenes de la industria audiovisual
Imágenes cortesía de la Fondazione In Between Art Film y de Natalia Piñuel Martin.
