Entrevista a Grip Face

Para los que se desempeñan en alguno de los ámbitos de la contracultura, el grafiti es un modo de vida, pero Grip Face (Palma de Mallorca, 1989) va mucho más lejos. Bajo la libertad del anonimato y la discreción que le asegura el seudónimo, el mallorquín es un artista multidisciplinar que usa el grafiti de un modo post-conceptual para mostrar que sus intervenciones en el espacio público son más que simple pintura.

Grip Face experimenta constantemente tanto en forma como en contenido y busca un lenguaje propio donde pervive la ilustración, el cómic o el diseño gráfico. También confiesa que con el exceso de información se auto boicotea a nivel plástico.
Incisivamente, considera al ser humano tanto comunicador como invasor y se manifiesta temeroso con las consecuencias que provoca la codicia humana y la falta de empatía. Su mirada nos traslada y nos abre ventanas, captando y dando forma a las imágenes implícitas de su tiempo mediante vastos murales, pinturas, instalaciones o libros. Y no solo eso, sino que afirma que aún no ha detonado todas las bombas que guarda en la guantera.

– María Múñoz: He leído por ahí que comenzaste a pintar con 13 años, casi como Picasso :), esa tierna edad posee una mirada infantil que parece que lo ve todo por primera vez, ¿qué rescatarías de esa etapa inaugural?
– Grip Face: Fue una etapa de constante descubrimiento vital, mi primera toma de contacto con todo lo que empezó a fascinarme, como los movimientos artísticos en el espacio público. Era la edad perfecta para tener una “pseudo-libertad” total.

– M. M.: ¿Has tenido educación reglada en arte? Quiero decir, ¿has estudiado arte o eres autodidacta?
– G. F.: Empecé desde pequeño a tener el interés y la necesidad de auto educarme en relación al arte. Siempre tuve mejor relación de aprendizaje con artistas de otras generaciones que con profesores reglados en las aulas.

– M. M.: En el espacio público ¿donde, cuando y por qué comenzaste a pintar?
– G. F.: Pues como hemos dicho empecé a los 13 años, a raíz de encontrarme a la salida del colegio pintadas que en su época eran políticas. Aunque desconocía su significado, llamaban mi atención. Más tarde descubrí el grafiti. Era algo que no había visto en los libros de arte que tenían mis padres y pensé que podía dejar de dibujar en casa y cambiar de medio.

– M. M.: Aunque inevitablemente te clasifican como artista urbano, eres un artista multidisciplinar, tus trabajos van desde la ilustración hasta el diseño gráfico, pasando por las instalaciones en galerías, la pintura, y los libros. Tu generación está caracterizada por dinamitar los esquemas clasificatorios del arte contemporáneo ¿Te molesta que te clasifiquen? O por el contrario ¿sucumbes también a esa fusión de técnicas y medios?
– G. F.: No soy muy admirador de las etiquetas, no me gusta que me encasillen. Me considero multidisciplinar desde el principio. Siempre he tenido coordenadas tanto en el espacio público como en el formato expositivo, y durante mucho tiempo esas coordenadas no tenían una conexión directa. Siempre me gustó tener una buena paleta de registros en mi obra aunque lamentablemente el público sólo te recuerda por una.

– M. M.: ¿Supongo que te preguntan eso siempre, de donde viene el seudónimo Grip Face? Lo del nickname tiene mucho que ver con la cultura underground del grafiti y ese halo de anonimato y de estar en la frontera de lo “legal” ¿no? Aunque dices que es para que la gente se centre en el arte y no en el personaje … ¿rollo Bansky?
– G. F.: Ese nombre nace del puente entre mis primeros años de la adolescencia y el descubrimiento del grafiti y el mundo del skateboarding, dos culturas que me influenciaron y marcaron una gran etapa. Pero siempre he tenido varios seudónimos con los que he trabajado, dándole más importancia a la obra que al personaje que hay detrás de ella.

– M. M.: Por cierto, ¿que piensas del siempre controvertido – para bien o para mal– Bansky?
– G. F.: No me interesa demasiado su trabajo, pero me hace gracia su manera de jugar con el mercado y con los mercaderes del arte.

– M. M.: Bueno él es uno de los que más se beneficia de esos mercaderes … Cambiando de tercio, en ciudades eliges tanto suburbios, como el centro de la ciudad. La arquitectura es tu lienzo en ese tipo de trabajo. ¿Tiene la arquitectura mucha influencia en tu trabajo? O ¿solo ves superficies grafiteables?
– G. F.: El espacio y su entorno lo es todo. La idea nunca fue pintar por pintar, intervenir por intervenir. Siempre hay un estudio previo, un proyecto que acompaña la intervención. Generar un diálogo con la arquitectura, intentar ser cada vez menos invasor. En la época del muralismo público, creo que cada vez más hay que buscar un equilibrio –no siempre sencillo– para no generar contaminación visual y dialogar con el medio.

– M. M.: Sobre el paisaje urbano y tus murales a gran escala en el espacio público, ¿consideras el paisaje urbano contemporáneo decadente?
– G. F.: Considero más decadente la sociedad actual que el propio paisaje urbano, pero éste no deja de ser el espacio en el que nos movemos, así que en parte sí se da una cierta decadencia visual. Y esta misma puede ser una fuente inagotable de reflexión.

– M. M.: Desde las cuevas prehistóricas, la humanidad ha sentido esa pulsión por pintar las paredes, evidentemente es un potente vehículo de comunicación, especialmente antes de la escritura, pero tomando estrictamente el carácter creativo, y tú que eres de los que sigue esa pulsión, ¿de dónde crees que viene?
– G. F.: El ser humano siempre ha tenido esa necesidad de plasmar su impronta, de una manera u otra. Su instinto de comunicador y a la vez de invasor son dos fuentes de apropiación de cualquier medio para transmitir su mensaje.

– M. M.: Cultura, contracultura, arte. Dicen que no todo lo que es cultura es arte pero si todo arte es cultura… También estás relacionado con otra de las culturas urbanas mas importantes, el skateboarding. Tanto el grafiti como el skate están muy ligados a estilos musicales muy concretos. Me gustaría saber si escuchas hip hop, rap, trap y sus miles de subgéneros, que sería lo lógico o por el contrario Bach, Vivaldi, tecno… ¿con que tipo de música te identificas?
– G. F.: Soy muy ecléctico. Puedo decir que cada etapa de mi vida ha estado más o menos arraigada a un género. Puedo escuchar desde Crass a Chet Baker, Songs Ohia a Mf Doom, STA a keaton Henson…

– M. M.: Sí muy ecléctico. Desde hace años tus pinturas crean sinergias, una especie de colaboración no implícita entre el espacio público y el expositivo. Por ejemplo tus murales públicos son la razón de ser de tus libros – Black Faces y este último Not Rented to Humans– ¿A nivel de autor, cómo ves esa dualidad?
– G. F.: Como mencioné antes, soy muy obsesivo con dejar bien cerrados los proyectos que realizo, sobre todo si tienen mucho peso en el espacio urbano. El formato libro me parece un medio indispensable y no extinto, muy necesario para documentar bien y mostrar que unas intervenciones en la calle van más allá de la simple pintura.

MIS LUCHAS PERSONALES SON COLECTIVAS

– M. M.: Hablemos de formalismos en tus trabajos, se advierte una utilización muy pop de los colores. ¿Te imaginas una vida en blanco y negro? ¿que es para ti el color?
– G. F.: El color no siempre ha tenido un peso identitario. He utilizado gamas no saturadas en algunas temporadas, y en otras, colores más contrastados. Durante los primeros años trabajaba con mono tonos o duo tonos, delimitando la información cromática. El color es solo un acompañante que a veces puede ser útil para descifrar un mensaje y otras veces puede entorpecer y caer en el vacío.

– M. M.: Y con respecto a las formas, mezclas figuración y abstracción ¿por qué?
– G. F.: Por generación, he absorbido multitud de información tanto plástica como gráfica y sonora. Mi cerebro me boicotea cuando me encamino hacia una sola linea de trabajo; a veces no me interesa que el mensaje sea fácil de descifrar y viceversa. Es necesario conocerse e identificar el momento óptimo para el auto boicot plástico.

– M. M.: Y ahora vamos con los lenguajes, vas con facilidad del gráfico a conceptual. Eres un artista altamente visual, ¿cómo de importante es el concepto y la investigación en tu método de trabajo?
– G. F.: Para mí el concepto es fundamental, ayuda a redefinir la imagen y a enraizar bien cualquier proyecto. Todo empieza con un manuscrito, algún breve texto antes del trabajo. A veces si tengo antes la imagen, que luego contextualizo, pero eso ocurre en escasas ocasiones. Puedo tener algunos conflictos con la unión de ambos; el discurso lo tengo muy claro y la imagen va por otro camino igual de interesante, pero que se aleja del concepto inicial.

– M. M.: Sobre los temas que trabajas hay motivos recurrentes: caras, pelo, manos, así como un interés por la señalética, por el lenguaje gráfico urbano. Como todo artista que se precie, captas imágenes latentes de tu época y les das forma. De hecho tu trabajo es bastante reconocible, tiene sello personal ¿crees que estás creando una especie de huella estética a la que te “referirás” siempre?
– G. F.: Sí, todos aquellos elementos que mencionas tienen gran peso en mi trabajo y me provocan cierta obsesión. Hablando de los auto boicots, mi tarea es encontrar la manera de despistar al espectador con mi progreso y evolución visual, pero tal vez aún no la llevo a cabo con la perfección necesaria y por eso a la gente no le resulta difícil reconocer parte de mis trabajos. También es cierto que hay mucha obra que no publico, me gusta mantener algunos proyectos más escondidos y no tan fáciles de descifrar y visitar.

– M. M.: El arte siempre ha estado impregnado de un componente de compromiso con su actualidad. Algunas de tus pinturas de figuras humanas las has usado para tratar temas tan “urgentes” como el racismo o la inmigración. ¿Consideras tus trabajos como arte denuncia?, ¿qué otros desafíos sociales haces tuyos y te movilizan?
– G. F.: Nunca me consideré un artista político como tal, pero siempre he intentado convertir todo aquello que rechazo en mi motor creativo, todas mis luchas personales que asimismo son colectivas. Me moviliza el impacto de la humanidad en el ecosistema, la intolerancia, el racismo, la violencia contra los animales, entre otras.

– M. M.: Y hablando de mensajes, me parece precioso la leyenda de la pieza que presentaste a finales de 2019 en el proyecto NO PLANET NO FUN. “Máscaras : Masks of Plasticized Generation”. ¿Qué intentas desenmascarar?
– G. F.: Era un mensaje irónico, la definición de una generación muy conectada con la basura y que forma parte de ella. La basura plástica.

– M. M.: Ah, mira … Este febrero has participado en la semana del arte de Madrid, en Urvanity Fair, una de las ferias. Además has estado en Pinta Miami, siempre con Cerquone Projects una galeria de Caracas ¿Qué relación mantienes con el circuito arte comercial?
– G. F.: Mantengo una relación cordial y profesional con las galerías con las que trabajo y con aquellas con las que realizo proyectos puntuales site-specific.

– M. M.: ¿Te consideras rompedor, transgresor?
– G. F.: No me atrevo a ser todo lo rompedor que me gustaría, tal vez aún no he detonado todas las bombas que guardo en la guantera…

– M. M.: ¿Que artistas de todos lugares y disciplinas admiras, te gustan o tienen cierta influencia en ti o en tu trabajo?
– G. F.: Admiro a creadores muy diversos. Por ejemplo me interesa mucho el trabajo de SAEIO (PAL Krew), El Roto, OX, entre otros…

– M. M.: Para ir terminando, ¿cuáles de los desastres/distopias contemporáneas que has mencionado antes te preocupan más: el cambio climático, la ecología, la emergencia de políticas fascistas mundiales?, ¿qué hay de la dependencia humana de la tecnología? –aunque creo que todo forma parte de lo mismo, la hegemonía de la economía sobre cualquier otro factor–.
– G. F.: Creo que todo está muy relacionado entre sí, le temo a la codicia humana y su falta de empatía con el entorno.

– M. M.: Cuéntanos tus planes futuros.
– G. F.: Estoy preparando mi primera exposición individual en Madrid. Será en Mayo. También estoy con otra exposición en Busan (Corea del sur) y trabajando en mi segundo libro y mi primer documental.

¡Muchos éxitos con todo!