Si las condiciones lo permiten, pronto podremos disfrutar de la nueva intervención permanente de Elena Alonso para el CA2M de Madrid. Un centro en el que, por cierto, ya presentó Antojo, un fascinante arco realizado in situ para la exposición Querer parecer noche en 2018.
Y es que Elena Alonso nacida en Madrid trabaja mucho el contexto y el espacio en el que desarrolla su trabajo, como fue el caso con la maravillosa instalación laberíntica Visita Guiada en Matadero o, más recientemente, en Members without order, su última exposición en la galería Fabian Lang de Zúrich.
Partiendo de disciplinas tan dispares como el dibujo, el diseño o la arquitectura, el trabajo proteiforme de Alonso consigue englobar desde la abstracción geométrica de unos cuadros minimalistas (véase su exposición en el museo ABC de 2015) hasta las deformaciones orgánicas de su serie de baldosas pasando por la sutil materialidad tridimensional de sus Modelos o de la serie que le sirvió para ganar el Premio Cervezas Alhambra de ARCO en el 2019. Una multiplicidad formal a la que siempre consigue dar sentido y coherencia, ofreciendo sin duda unas obras que aúnan la elegancia visual, la curiosidad material y la profundidad conceptual.
No hacía falta mucho más (ni menos) para entrevistar a una de las artistas que más me interesan de su generación y cuyo trabajo siempre consigue sorprenderme y convencerme.
Esta imagen y la superior: Visita Guiada.
Antojo.
¿Nos puedes explicar un poco cómo entraste en el mundo del arte? ¿Cómo fueron tu formación y tus inicios?
Empecé mi formación en la facultad de Bellas Artes de Madrid, con pocas pretensiones y un gran desconocimiento de la profesión, pero con la convicción de que era el lugar donde quería estar. Antes había empezado la carrera de Biología, pero no acababa de estar a gusto y, como también tenía inquietudes artísticas, decidí tomar este otro camino. Aunque es complicado, muchas veces lo pienso y me alegro muchísimo de haber tomado esa decisión! El resto ha ido surgiendo muy poco a poco, trabajando con mucha incertidumbre y muchas satisfacciones, y con la suerte de haber ido encontrando personas que se han interesado por mi trabajo y que me han dado las oportunidades para hacer proyectos más ambiciosos.
Modelo Amaranto y Verde.
El dibujo tiene un peso muy importante en tu trabajo. ¿Por qué empezaste a trabajar con este formato?
Supongo que al principio por ser tan accesible, empezando por los cuadernos, pero siempre me ha gustado la calidez y la intimidad de dibujar sobre un papel. Para mi es una práctica que genera un estado mental y de relación con los materiales muy especial. Dibujo de muchas maneras, en muchos casos simplemente porque me ayuda a pensar, pero como dices también ocupa un lugar importante en mi trabajo como obra final. Utilizo mucho por ejemplo el gran formato sobre papel. Me gusta la inmediatez del dibujo y su claridad, pero también el nivel de sofisticación que se puede conseguir con las diferentes técnicas que uso, la precisión, la delicadeza… Por otro lado, me interesa mucho la mezcla de diferentes lenguajes, combinar por ejemplo fórmulas gráficas más técnicas, de regla y compás, con la sensualidad de las formas y los acabados, y para eso es el medio perfecto.
Diseño para un cuerpo voluptuoso, 2020.
– “Todo está muy pensado desde el dibujo”, afirmas. ¿Qué peso tiene el dibujo y/o el papel en tu obra hoy (tus últimos trabajos han sido más escultóricos/instalativos…)?
Como te comentaba, el dibujo también es para mi una herramienta para pensar y construir. Cuando dibujo recurro frecuentemente a fórmulas que se utilizan para hacer planos de arquitectura (plantas, alzados, secciones) y me gusta jugar con la idea de múltiples puntos de vista posibles o las traducciones a las tres dimensiones. En el papel aprovecho la posibilidad de la indeterminación en este sentido, de la extrañeza, pero en todo el proceso siempre hay una conexión con lo espacial. Con los objetos, o cuando he tenido la oportunidad de contar con un espacio en el que hacer una intervención, mi primer impulso es pensar dibujando mentalmente sobre él, incluso utilizando como herramienta estos puntos de vista tan artificiales que se ven en las plantas o los alzados. Si te fijas, las construcciones que resultan tienen mucho que ver con esta manera de combinar lenguajes en mis dibujos.
Diseño para un cuerpo voluptuoso, 2020.
En muchas ocasiones, intervienes en el espacio expositivo (para Antojo, Visita Guiada o Members without order, por ejemplo): ¿qué papel juega el propio espacio expositivo en la realización y exposición de tu trabajo?
Para mi es muy importante el contexto en el que se ve una obra, y respecto al espacio, siempre intento generar un ambiente que le sea afín. Esto puede ir desde cambiar el color de la pared hasta modificar la arquitectura, que sería el caso de exposiciones como Truco (Espacio Valverde) o Members without order (Fabian Lang Gallery) en el que la intervención en el espacio es una cuestión más de diseño, al servicio de la obra. Por otro lado, la arquitectura (tanto como el diseño o la artesanía) es uno de mis referentes, y me interesan mucho también este tipo de intervenciones más espaciales, como es el caso de Antojo o Visita guiada, en las que la obra está engarzada en la propia arquitectura. En estos casos el movimiento de los cuerpos entra también en juego, recorriendo la obra o habitándola, y me gusta pensar en estas otras maneras de relacionarse con las obras.
Diseño CV (6). 2020.
Hace un par de años afirmaste que querías acercarte al cuerpo femenino y a la problemática del género. ¿Es la serie Diseño para un cuerpo voluptuoso y tu exposición Members without order parte de ese proceso?
No es que quisiera acercarme a esta problemática, si no que estos últimos años he estado bastante entusiasmada con el bullicio de nuevas teorías de genero, y los cambios sociales que se están sucediendo respecto a estos temas. En realidad diría que estoy entusiasmada de nuevo, porque durante la carrera las alusiones al cuerpo y la idea de feminidad eran una constante en mis trabajos. Lo abandoné como quien se quita un peso de encima, porque tanto en lo artístico como en mi enfoque personal, había algo que no acababa de encajar bien… Hace unos años, como dices, expresamente con la obra Antojo, decidí volver a hacer evidente en mi trabajo esta alusión al cuerpo, con un ánimo muy diferente, más placentero. Después de este y otros trabajos más escultóricos, volví a retomar el dibujo con ganas de darle también este carácter, y realicé la serie Diseño para un cuerpo voluptuoso. La mostré en mi última exposición individual, en la galería Fabian Lang de Zurich, disponiéndola como una secuencia a lo largo de las paredes de la galería, rodeando una intervención arquitectónica central. El formato de estos dibujos tiene una relación con el cuerpo humano (el papel mide 190 de alto) y la idea era simular una especie de claustro o cónclave de cuerpos extraños.
s13.
De manera más general, tu galerista destaca que “lo que busca es la afectividad con aquello que nos rodea” mientras Julia Morandeira (en la hoja de sala) define Truco como “carnal, corporal y sensual”. ¿Ves una evolución en tu trabajo hacia algo más cercano al afecto y/o a cierta sensualidad o es algo que siempre ha estado allí?
Es algo que siempre ha estado ahí. La afectividad es parte del mecanismo de creación de mi trabajo, tanto a la hora de pensarlo para los demás como en el momento de embarcarme con algo en el estudio. Quizá la manera de expresarlo cambie, igual que yo cambio como persona, aunque también siento que cada vez consigo hacerlo de manera más sencilla y honesta.
ST (Possible Bodies 4).
En este sentido, la materialidad de los materiales con los que trabajas (resina, mopane, ébano, olivo, escayola etc) parece ser muy importante. ¿Cómo eliges estos materiales?
Si. En el estudio muchas veces encuentro las ideas a través del contacto con los materiales, observándolos y manipulándolos para conocerlos mejor y poder aprovechar mejor sus particularidades y lo que significan. La mayoría de los que utilizo habitualmente forman parte de nuestro entorno material más cotidiano, pero también busco a veces introducir otros más nobles o especiales, como el ébano por ejemplo en el caso de las maderas. La elección del material puede darse en cualquier momento del proceso, pero normalmente forma parte de los momentos iniciales, no como solución final. Para mi la cuestión material va totalmente engarzada con el desarrollo de las ideas, y es importante que ambas partes participen y sean acordes en cuanto a sus formas y significados.
ST (fronton 8).
En una charla en el CA2M hablas de artesanía. Como artista, ¿crees que, de alguna forma, tienes esta relación de artesana con los materiales y/o las formas?
En mi caso si creo que tengo cierta actitud artesana, en el tipo de aprecio por los materiales y en querer sacar lo mejor de ellos. Obviamente son profesiones que distan mucho luego en cuanto al tipo de producción. Trabajar en mis piezas de una manera directa, manual, es algo relevante para mi, pero no tengo la constancia sobre un material en concreto que caracteriza el oficio de un artesano. Cambio mucho de técnicas y materiales según las necesidades de la obra que esté haciendo.
El diseño y lo domestico también son algo que te interesa. ¿Nos puedes contar cómo integras estas preocupaciones en tu obra?
Muchas veces recuro al diseño de mobiliario o de objetos más domésticos para buscar referencias y recursos formales. Con las elección de las formas ocurre lo mismo que con la elección de los materiales. Además de componer, construir, sugerir… el diseño puede remitir a distintas épocas de la Historia, otro tipo de usos y utilidades y en definitiva, a otras maneras de relacionarse con los objetos.
Para concluir, si te parece, hablemos un poco más en general del contexto actual. ¿Cómo ha afectado la actual pandemia (y el confinamiento) a tu trabajo?
Para mi ha supuesto un parón considerable. Además de las cancelaciones, retrasos, y las consecuencias económicas, mi estado vital ha sido más de reposo y reflexión que de productividad. En un principio intenté mantener algo parecido a mis hábitos creativos, pero me resultaba bastante costoso (además de por la cuestión protocolaria) encontrar la predisposición de generar algo nuevo. De alguna manera, me parecía imposible pensar en una obra eludiendo este filtro que nos ha puesto la pandemia, y a su vez no tenía nada claro (ni me apetecía) incorporarlo a mi trabajo. Este desconcierto parece que se va aclarando lentamente y el filtro se va volviendo más fino. Me gusta trabajar desde el optimismo y la búsqueda del placer, y poco a poco voy encontrando o recuperando estos lugares desde los que mirar el futuro.
¿Crees que esta situación cambiará alguna cosa a las dinámicas del arte? ¿Y cómo debería cambiar en ese caso?
Creo que todo lo que está pasando es ya parte importante de nuestra historia, con sus consecuencias en la sociedad, en la cultura, en la manera de relacionarse… y el arte no es ajeno a este contexto. Creo que hay que tener mucho cuidado con las decisiones que se van tomando con rapidez y pensar bien cuales son los cambios que deben permanecer y lo que ha de restaurarse. No hay mal que por bien no venga, y pienso que podría ser un buen momento para replantearse algunas cosas que siempre han funcionado mal, en el mundo en general y en el arte en particular, y, por ejemplo, actuar de una manera más sostenible y respetuosa con el medio ambiente.
¿Cómo valoras la situación del arte en España y las condiciones de los artistas españoles (o residentes en España) en los últimos años?
Precaria.
– ¿Qué proyectos de futuros tienes, ya sean confirmados o caminos que te gustaría explorar en algún momento?
Ahora mismo estoy trabajando en una intervención permanente para el Museo CA2M de Madrid. Es un proyecto con el que estoy muy ilusionada y que a su vez es un gran reto. Es una obra que contempla una temporalidad con la que nunca había trabajado, y a su vez la responsabilidad de participar de este espacio público. Si no hay más contratiempos, pronto la podréis ver…
