Wesphere, el cuarteto de Barcelona que ha encápsulado la música electrónica del futuro en un videoclip titulado Where Is William.
¿Esculturas sonoras a través de la electrónica? Eso es que lo hace el cuarteto catalán de música electrónica experimental Wesphere (@wesphere). Juan Luis Batalla (28 años), Roman Daniel (26 años), Max Grosse Majench (26 años) y Borja Ruiz (32 años), cuatro amigos de Barcelona que se conocen hace más de 10 años. Su amistad ha trascendido al tiempo, a la distancia, y a las diferentes carreras y proyectos de cada uno. En el año 2013 publican su primer LP y en el año 2019 dos singles. Y ahora, en el pandémico 2021, presentan su segundo disco No Brainer 0202. Gracias a una visión única, con la que enfocan lo más contemporáneo de disciplinas como música, cine, danza y arte, consiguen crear un proyecto tan interesante como Wesphere. En Wesphere se funden sonidos hi-fi con beats de down tempo, riffs emocionales de guitarra y jazz. Lo entenderás mejor si sabes que alguna de sus referencias son el mítico Sun Ra, los británicos Mount Kimbie o Max Cooper. Ahora presentan su nuevo videoclip Where is William, que han hecho mano a mano con el estudio multimedia Post Neon y el cineasta Josh Mansell.
Entrevista con Wesphere después de su concierto madrileño en plena pandemia.
¿Cómo fue el concierto en Conde Duque (Madrid) el pasado diciembre?
Una maravilla. El espacio está muy bien equipado y fue perfecto para presentar ‘no brainer 0202’ y debutar en la capital. Nos lo pasamos muy bien y hubo muy buena recibida. Guardamos muy buen recuerdo de la experiencia que supuso el viaje y el concierto.
¿Cómo habéis sentido dar uno de uno de los pocos conciertos de fin de año en una pandemia mundial?
Nos sentimos muy afortunados y agradecidos con las personas que hacen posible estas cosas, desde Laurène y todo el equipo de Whisper Not Agency al personal de Conde Duque. También nos hizo mucha ilusión ver nuestro nombre anunciado en una pantalla inmensa en medio de la Gran Vía madrileña 😃.
¿Cómo surgió el nombre de Wesphere?
El nombre surge después de haber empezado a crear, justo antes de nuestro primer concierto. WESPHERE reflejaba nuestra visión más holística de lo que representaba el proyecto – la pluralidad unida en la esfera. Luego nos dimos cuenta de que el signo del horóscopo de cada uno de nosotros está ligado a uno de los cuatro elementos. Borja es Aries/Fuego. Max es Géminis/Aire. Román es Cáncer/Agua. Juan Luis es Capricornio/Tierra. Otra coincidencia no tan agradable es que se parece mucho al concepto de WebSphere, un producto software muy popular en internet que redirige todas las búsquedas…
¿Cómo os habéis conocisteis los cuatro?
Nos conocimos en la adolescencia, haciendo temas en el estudio de Borja. Como decimos arriba, nos pusimos un nombre cuando nos salió el primer directo en la plaza del MACBA. Después de un primer álbum – más espontáneo y fresco – nos dimos cuenta de que nuestro proceso pasa por no estar presionados por la noción del tiempo que dicta la industria. Wesphere se desarrolla como una investigación. Pasamos momentos muy intensos en el estudio pero también ha habido grandes intervalos de pausa. Desde hace dos años hemos empezado a pensar en un directo a la altura de nuestras expectativas. En estos períodos donde no estamos en el estudios concretamos en el mensaje que estamos creando. Esto nos permite tratar con mucho cuidado y cariño cada publicación que hacemos.
Combináis directos de electrónica con danza, ¿cómo se os ocurrió este concepto?
Tanto para Román como para Max, las artes escénicas son muy importantes. La amistad entre ellos comenzó desde el juego físico en forma de improvisaciones de movimiento absurdo con energía adolescente. Román dio sus primeros pasos como bailarín y ha sido algo que siempre le ha acompañado, y Max se dedica al teatro y al cine. Nos apetecía romper con la puesta en escena donde cuatro hombres blancos se centran al cien por cien en el funcionamiento de unos instrumentos y unas máquinas que realizan una serie de complejas técnicas musicales y de programación. Cuanto más lo exploramos, más nos damos cuenta de lo vulnerables que nos hace. En BOSS EMO también partimos de esta vulnerabilidad performativa y tratamos de traducirla al formato audiovisual, aunque en ese caso el foco reside más en la actitud que en los movimientos, que son más bien sutiles y a la vez más pop.
¿Vuestra música está ligada a la danza?
Nos gusta entender la música como una substancia viva que invade los cuerpos de ritmo. El oído es un sentido muy especial. A menos que te tapes las orejas, es muy difícil dejar de escuchar lo que suena a tu alrededor. La danza estaría relacionada con el tacto y con la vista, ya que el movimiento manifiesta patrones que se pueden llegar a estetizar. En resumen, sentimos que, efectivamente, la música, tanto si es electrónica como no-electrónica, pueden relacionarse fácilmente con la danza. Esta pregunta nos hace pensar en una cosa que igual no tiene directamente que ver, pero nos gusta mucho irnos por las ramas, allá donde moran los frutos. Nos ha dado mucho que pensar una reciente reflexión de Brian Eno en torno al hecho de que, a inicios del siglo XX, se estableció una clara diferencia entre el teatro y el cine. Sin embargo, en la música no existe tal diferencia entre la música tecnológicamente (re)producida y la música en directo. La creación musical de Wesphere guarda algunas paralelas con el montaje de cine. Las pistas de audio se van sedimentando en un proceso fluido que combina técnica musical y dramaturgia con ingeniería de sonido. Si hubiera una diferencia entre la música en directo y la que se (re)produce técnicamente como la que existe entre el teatro y el cine, Wesphere sería cine.
Vuestro proyecto musical es muy sofisticado y bastante nicho, ¿creéis que algún día evolucionará hacia algo más de masas?
Lo que tenemos claro es que no hacemos nada con el objetivo de gustar a “las masas”, ni siquiera a “la gente”. Hemos tenido el privilegio de poder hacer lo que más nos gustaba a nosotros en cada momento. Nos sentiremos muy afortunados de poder seguir diciendo esto a medida que avance el tiempo. Muchxs artistas, como ARCA o la recién fallecida y que en paz descanse SOPHIE :’( han conseguido seducir grandes audiencias siendo fieles a su línea. En todo caso, no queremos forzar nada, aunque nos encantaría poder ir pisando escenarios cada vez más grandes y contar con los medios para hacer cosas cada vez más espectaculares. También estamos abiertos a colaboraciones con artistas con más visibilidad que tengan ganas de retroalimentarse de nuestra música y nuestra visión. Nuestro primer álbum fue remixeado por artistas muy diversos, algunos de ellos bastante conocidos, como los productores y beatmakers Lost Twin y Sr. Chen.
¿Qué queríais contar con este nuevo videoclip del tema Where is Willliam?
Where is William es una canción sobre la identidad. Para nosotros era importante que la narrativa no fuera antropocentrista, es decir que los personajes no fueran representaciones humanas. El punto de partida del proceso de creación con Post Neon, que empieza en 2020, está formado por: los cuatro elementos naturales y su vínculo con nuestros signos del zodíaco Aries, Capricornio, Géminis y Cáncer; la historia de William y la pregunta de quién es. El ha dilatado el proceso en el tiempo, pero también hemos podido profundizar más en la narrativa. Por su lado, Jim Brady, Vito Boeck y Jeremy Renoult de Post Neon le han dedicado muchísimo tiempo a la animación y el resultado es increíble. A mitad del proceso, los Post Neon introdujeron a su colega, el londinense Joshua Mansell, para afinar el guión de lo que se estaba convirtiendo en su film más elaborado hasta la fecha. Esta criatura reside en una especie de espacio infinito y se encuentra frente al espejo, pero su reflexión le invade de dudas acerca de su identidad y dónde pertenece. La idea era que fuera transitando por diferentes espacios, cada uno relacionado con uno de los cuatro elementos, hasta encontrar una cierta paz interior. Junto con Josh, fuimos trazando los cuatro mundos: la discoteca de agua, la oficina de aire, la fábrica de fuego y la cantina de tierra.
¿Por qué habéis contado con el estudio Post Neon para la realización del videoclip?
Max coincidió con ellos en un proyecto de cine experimental en Berlín y desde entonces han mantenido una amistad a distancia. Empezamos a hablar para colaborar de cara a la actuación en el Sónar 2020 y, como tantas personas en los últimos meses, hemos ido cambiando de plan hasta llegar aquí y ahora.
¿Qué os gustó del personaje de Gudetama para inspiraros para el video?
En primer lugar, que no es humano. En segundo lugar, es un buen meme para representar la actitud de cansancio existencial y desgana tan característica en los inicios del siglo XXI…
También habéis hecho filtros para Instagram, ¿por qué?
Hemos querido encarar la colaboración con Post Neon como una oportunidad para abrir los horizontes creativos y de disciplinas artísticas. Tanto ellos como nosotros hemos explorar formas de combinar nuestras ideas y sonidos con su visión y diseño. Como parte de la campaña, también organizamos unas predicciones del horóscopo para 2021 en su canal de Twitch.
Contáis con mucha experiencia en la música en vuestros distintos proyectos musicales, ¿cómo trasladáis todo a Wesphere?
A parte de haber participado en numerosos proyectos de la escena de hip-hop en Cataluña, Borja es fundador de Hello Samples, una librería de sonidos para productorxs y beatmakers. En este sentido, él aporta la definición del sonido y estar al día de los últimos avances tecnológicos de la industria. Román, más conocido como Mans O, es quien tiene más conocimiento respecto a la estructura que requiere un proyecto musical y las convenciones de la industria (aunque luego decidamos ir en contra). A parte de su visión global, se complementa con Borja en la producción y está a cargo de los (poli)ritmos. Cuando vivía en Berlín, Max se juntó con un grupo de technorumba con el que ha tocado muchísimos conciertos. Esta experiencia sumada a sus andanzas filosóficas y por las artes escénicas contribuyen mucho a la narrativa de Wesphere. Juan Luis es el “músico” más ““músico”“ de la banda. Ha co-producido álbumes para artistas como Tarta Relena, y su otro grupo es el secreto mejor guardado de la escena catalana: Nerobambola. Después de tres años estudiando en Londres, Juan Luis volvió a Barcelona y junto con María Pleguezuelos y Xavi Sánchez Forés impulsó El Pumarejo. Esta sala de música se ha convertido en el punto de encuentro de muchísimxs artistas del área metropolitana de Barcelona, e inevitablemente ha empapado a Wesphere. Además, durante el confinamiento, el equipo de El Pumarejo estableció su plataforma discográfica, Amēn Discos, que ha publicado nuestro segundo álbum, ‘no brainer 0202’. Como anécdota, añadir que aún no hemos tocado nunca en El Pumarejo delante de gente, aunque sí que hemos grabado algunos temas en directo que saldrán muy pronto.
¿Cómo compagináis los diferentes proyectos musicales?
Con algunos celos sanos, pero sobre todo con humildad, paciencia, agradecimiento, empatía y admiración. Al final son una fuente de aprendizaje constante para todos.
Arte, poesía, mucho arte y visual y distintos elementos, ¿cómo lo combináis para crear Wesphere?
Como decimos arriba, Wesphere nace de la idea de una conciencia colectiva. Más que una “banda”, Wesphere es un colectivo amorfo que aúna el trabajo de diversos individuos. Aunque parte claramente de una propuesta sónica, nos gusta entender que se cristaliza como una experiencia total, capaz de afectar todos los sentidos (existentes y por descubrir). En el último año y medio hemos podido colaborar con artistas plásticos y visuales como son Rosa Tharrats, Luis Krawen, Marian Brea, Mariona Valdés y Maria Pleguezuelos; con la actriz Laura Weissmahr y el poeta Luca Dobry; con lxs diseñadorxs Dani Riba, Sandra Izquierdo, David M. Romero, Offset Studio o Post Neon; con cineastas como Román Cadafalch, Cadhla Kennedy, Héctor Prats o Joshua Mansell… A parte, hemos contado con el acompañamiento de profesionales de la industria musical (con roles que pocas veces son visibles al gran público) como Laurène Chanson, Eva F. Cortés, Nico Sammut y el equipo de Amēn Discos. Mirar hacia atrás y ver esta lista de humanos que han aportado su energía para crear esto que estamos compartiendo nos parece un milagro. :’) Ahora estamos trabajando en el siguiente film, un proyecto creado por Alejandra Smits, Elena Martín y Pol Rebaque. Esperamos poder contaros más sobre ello en breves.
¿Sentís que en España se entiende un proyecto como el vuestro?
El hecho de que estemos encontrando gente a quien le motiva y que respalda el proyecto nos da fe en que vamos por buen camino. También hay que tener en cuenta que nuestros primeros trabajos han sido exclusivamente en inglés (como si existiera un hechizo por el que este idioma nos hubiera colonizado musicalmente). Muchos de nuestros referentes musicales se encuentran fuera de la Península, así que de forma orgánica hemos mirado más hacia afuera. No cabe duda de que nos encontramos en un momento histórico que aun no somos capaces de comprender. Lo que sí que vemos es que en el presente inmediato hay una gran efervescencia artística a nivel local, peninsular y mundial en la que sentimos que Wesphere aporta un tono especial y que puede evolucionar.
¿Qué etiqueta musical creéis que os representa mejor?
Para ser sintéticos af, responderemos: música contemporánea de estudio, pero realmente cuesta muchísimo esta pregunta. Os animamos a escuchar y definir la música vosotrxs mismxs <3.
¿Qué estáis escuchando ahora mismo?
Al ser varios, es difícil que escuchemos lo mismo. Igual donde coincidimos más es en escuchar las obras de artistas y colectivos cercanxs que comparten su obra con nosotros, como por ejemplo Ikram Bouloum, Myōboku, JOKKOO, Tarta Relena, Marina Herlop, Brauer, Abundance…
¿Con quién os gustaría colaborar?
Nuestro única colaboración hasta la fecha es el tema “The Wound” con el beatmaker y productor asturiano Skygaze dentro de su ‘Weightless Landscapes’. Ahora mismo, tenemos curiosidad por colaborar con otrxs vocalistas y MC’s así como instrumentistas.
