La London Sculpture Week 2026 reúne cinco grandes exposiciones y, del 19 al 27 de septiembre, transforma la ciudad en una galería al aire libre por quinta vez.
La quinta edición de London Sculpture Week 2026 pone de relieve el papel fundamental que desempeña el arte público contemporáneo en la vida moderna. El evento cuenta con cinco localizaciones: Fourth Plinth —el famoso pedestal situado en la esquina de Trafalgar Square—, East Bank, Frieze Sculpture, Sculpture in the City y The Line.
Imagen de portada: Antony Gormley, Quantum Cloud (2000) en North Greenwich. Cortesía del artista y del alcalde de Londres. Foto © Emily Lovell
Ron Haselden, Diver (2012) en Dane’s Yard, paseo del rio Three Mills Wall. Cortesía de Vastint UK y el artista. Foto © Angus Mill
Con esta iniciativa que cumple 5 años, London Sculpture Week 2026 enriquece las calles, parques y espacios públicos de Londres con obras de arte de acceso libre durante siete días para el disfrute de todos, celebrando la extraordinaria variedad de creatividad, diversidad y expresión. Esculturas monumentales, instalaciones e intervenciones transforman el espacio público con obras de algunos de los grandes nombres del arte contemporáneo, unas concebidas para permanecer y otras destinadas a desaparecer tras esta semana o transformarse tras su paso por la ciudad. Seleccionamos 10 piezas imprescindibles para recorrer las cinco secciones de London Sculpture Week.
En portada, el Támesis como protagonista en la London Sculpture Week 2026
Para abrir este recorrido, escogemos dos de las piezas mas potentes de esta edición, ambas pertenecientes a la sección The Line:
1. Quantum Cloud de Antony Gormley
Quantum Cloud de Antony Gormley es una nube monumental de acero galvanizado, de casi 30 metros de altura. La escultura parece contener un cuerpo humano que emerge y se disuelve entre cientos de barras metálicas. Instalada en North Greenwich, junto al Támesis, Quantum Cloud lleva una de las obsesiones centrales de Gormley —la relación entre cuerpo y espacio— a una escala casi arquitectónica. La figura aparece y desaparece según el punto de vista, suspendida entre materia y vacío, orden y caos. Un cuerpo convertido literalmente en campo de energía.
2. Diver de Ron Haselden
Diver de Ron Haselden se trata de una gigantesca figura luminosa de 26,5 metros que se lanza al agua y provoca un gran chapuzón mediante una secuencia de luces que anima las distintas fases del movimiento. Haselden creó la instalación junto a 600 alumnos de escuelas primarias de Londres, a partir de talleres sobre deporte y bienestar realizados para la Olimpiada Cultural de Londres 2012.
3. Tschabalala Self en Fourth Plinth de la London Sculpture Week 2026
The Fourth Plinth, parte de la London Sculpture Week 2026 fue iniciado en 1998. Cada dos años invita a artistas internacionales a crear una nueva obra para el cuarto pedestal de Trafalgar Square. La 16ª comisión es Lady in Blue (2026), de Tschabalala Self. Se trata de una figura femenina de bronce vestida de azul intenso y con accesorios que evocan el lapislázuli, pigmento pigmento raro y preciado utilizado desde la antigüedad.
Tschabalala Self, Lady in Blue (2026) en Trafalgar Square
La artista estadounidense lleva al pedestal una monumental figura femenina de bronce concebida como una “mujer cualquiera” contemporánea, segura de sí misma, anónima y alejada de los héroes históricos que tradicionalmente ocupan los pedestales del espacio público. Self juega así con los códigos clásicos del monumento para preguntarse quién merece ser representado, celebrado y monumentalizado en el corazón de la ciudad.
London Sculpture Week 2026 >> The Line
The Line ofrece un recorrido de arte público por el este de Londres que discurre a lo largo de los canales y sigue la línea del meridiano de Greenwich. Fundado en 2015, es el primer recorrido de Londres dedicado específicamente al arte público. Una galería gratuita al aire libre que sigue el curso del agua y del meridiano atravesando tres de los distritos más diversos del Reino Unido: Newham, Tower Hamlets y Greenwich. Su programa este año presenta 24 instalaciones sobre un paisaje urbano dinámico que explora arte, naturaleza y patrimonio.
4. Sin título: The Line de Rasheed Araeen
Rasheed Araeen, Sin título: The Line (2025) en Lee Navigation y Bow Creek. Cortesía del artista y Grosvenor Gallery. Foto © Angus Mill
Sin título: The Line creada por Rasheed Araeen, es una obra a gran escala utiliza cubos geométricos de acero, pintados con los característicos colores primarios del artista. Rasheed Araeen se formó como ingeniero en su Pakistán natal antes de trasladarse a Europa en la década de 1960. Araeen se ha convertido en uno de los pioneros de la escultura minimalista en Gran Bretaña.
5. Dreams Are a Language Made of Images de Zineb Sedira en The Line
Zineb Sedira, Dreams Are a Language Made of Images (2025) en paseo del rio Three Mills Wall. Foto © Angus Mill
La instalación textual site specific a gran escala Dreams Are a Language Made of Images / Los Sueños son un Lenguaje formado por Imágenes de Zineb Sedira se basa en una cita del cineasta italiano Federico Fellini. La obra invita a reflexionar sobre la interrelación entre los sueños y el cine, temas recurrentes en la práctica de Sedira, pero aquí se añade el elemento del río. Como dice la artista, los ríos cambian y fluyen constantemente, al igual que los sueños, no son fijos. Los ríos son lugares de movilidad, rutas hacia otros países, otros mundos y otros sueños.
6. Madge Gill: Nature in Mind en The Line
Madge Gill: Nature in Mind, (2021 y 2026), reproducción de la obra Red Women, 1949 en Star Lane DLR station. Cortesía del Servicio de Patrimonio del ayuntamiento de Newham. Imagen: Madge Gill Red Women installation, Europa Trade Park Star Lane, 2021 Foto © Jeff Moore
Madge Gill: Nature in Mind, comisariada por The Line junto a Sophie Dutton y el ayutamiento de Newham, presenta la obra de Madge Gill (1882-1961), una de las artistas visionarias y médiums más veneradas de Gran Bretaña (denominadas “outsiders” por algunos historiadores del arte, críticos y artistas). La muestra concebida para conmemorar el 60 aniversario de su muerte en 2021, se vuelva a instalar con sus veinte reproducciones a gran escala de sus fascinantes dibujos, tapices y acuarelas, desplegadas a lo largo de los casi cinco kilómetros que separan Queen Elizabeth Olympic Park de los Royal Docks, en Newham, el distrito donde Gill vivió y realizó la mayor parte de su obra entre 1920 y 1961.
Madge Gill: Nature in Mind, (2021 y 2026), reproducción de la obra Untitled c. 1930-1954 en Cody Dock. Foto © Simon Myers
7. Carsten Höller y Anish Kapoor
La ArcelorMittal Orbit es la gran escultura-torre roja de Anish Kapoor y Cecil Balmond, creada para los Juegos Olímpicos de Londres de 2012. En 2015 Kapoor invitó a Carsten Höller a añadir The Slide, que abrió en 2016. Höller creó ese enorme tobogán de 178 metros se enrolla alrededor de la Orbit doce veces. Los visitantes se pueden deslizar durante unos 40 segundos desde una altura de 76 metros.
Anish Kapoor y Carsten Höller, ArcelorMittal Orbit (2012) y dentro el tobogán The Slide (2016) en Queen Elizabeth Olympic Park. Foto: (c) Rob Stothard (The Telegraph)
Carsten Höller, The Slide (2016), detalle dentro De la Torre de Anish Kapoor ArcelorMittal Orbit (2012). Foto The Standard
London Sculpture Week 2026 >> Frieze Sculpture
La 14ª edición de Frieze Sculpture cuenta con 11 artistas internacionales cuyas obras se exponen a lo largo de los históricos Jardines Ingleses de Regent’s Park, ampliando así el alcance de las ferias de arte Frieze al ámbito público.
8. Metanoia de Ivana Bašić en Frieze Sculpture
Ivana Bašić, Metanoia (2025) en la galería Albion Jeune (Londres) en English Gardens, The Regent’s Park. Cortesía de la artista y Albion Jeune
Metanoia de Ivana Bašić es una escultura a medio camino entre monumento brutalista y organismo vivo. Metanoia parte de los monumentos abstractos construidos en la antigua Yugoslavia tras la Segunda Guerra Mundial llamados Spomeniks. En particular parte del Monumento a las Flores de Jasenovac (1966). Bašić construye una estructura de hormigón, vidrio y cobre atravesada literalmente por la respiración. Y es que los recipientes de vidrio parecen inhalar y exhalar mediante un circuito neumático, mientras un corazón de cobre florece en su interior. Una escultura sobre memoria, fragmentación y la posibilidad de recomponer un cuerpo colectivo.
9. WYRM de Catriona Robertson en Frieze Sculpture
Catriona Robertson, WYRM (2026) en The Muse Gallery (Londres) en English Gardens, The Regent’s Park. En la imagen: Saatchi Gallery Garden, RHS Chelsea Flower Show. Cortesía de la artista y The Muse Gallery. Foto: Stephen Studd
WYRM (2026) forma parte de la amplia trayectoria artística de Catriona Robertson que trata el medio ambiente y el patrimonio. Robertson se centra en la idea del «paisaje urbano como collage» y trabaja la interconexión entre la naturaleza y la ciudad. Para ello utiliza materiales recuperados para reflexionar sobre nuestra cultura del usar y tirar, por eso ella piensa que los cimientos de la ciudad del futuro estarán formados por los detritos del mundo actual.
London Sculpture Week 2026 >> Sculpture in the City
Impulsado por la City of London (así es como se llama el distrito financiero ) y el proyecto cultural LACUNA, el programa reúne obras de artistas internacionales, tanto consolidados como emergentes, que dialogan con la singular arquitectura de este distrito y se integran en la vida cotidiana.
10. Roots: Palace de Ai Weiwei en la City
Ai Weiwei, Roots: Palace (2019) en St Botolph-without- Bishopsgate Churchyard © Ai Weiwei Studio. Cortesía de Ai Weiwei Studio, Lisson Gallery y neugerriemschneider, Berlin. Foto © Nick Turpin
Roots: Palace, la monumental obra de Ai Weiwei está realizada en hierro fundido a partir de raíces de árboles gigantes procedentes de Brasil. El artista colaboró con artesanos locales y comunidades de todo el país. Ademas visitó Trancoso, en el este, para localizar raíces y troncos del árbol Pequi Vinagreiro, una especie en peligro de extinción que suele encontrarse en la selva tropical de Bahía. Los elementos de estas raíces tan singulares, algunas de las cuales podrían tener más de mil años, se moldearon minuciosamente, se unieron y luego se fundieron para crear estas composiciones.
11. Charles. Jiwon. Nethaneel. Elena. de Julian Opie en la City
Julian Opie, Charles. Jiwon. Nethaneel. Elena. (2024) en 100 Bishopsgate. Cortesía del artista y Lisson Gallery, Londres
Charles. Jiwon. Nethaneel. Elena. (2024) de Julian Opie son cuatro enormes rostros de hormigón reciben al visitante en 100 Bishopsgate. Opie los creó a partir de personas que coincidieron en una cena en China, reduciendo cada fisonomía a una veintena de trazos y una estricta simetría vertical. El resultado mezcla la tradición del retrato y la silueta con el lenguaje de los emojis, los logotipos y el reconocimiento facial. Fundidas en hormigón y con más de dos metros y medio de altura cada una, las piezas oscilan deliberadamente entre el monumento público, la barrera de autopista y la lápida.
12. Looping Loop de Andrew Sabin en la City
Andrew Sabin, Looping Loop (2025) en 70 St Mary Axe © Andrew Sabin. Cortesía del artista y Brooke Benington. Foto: © Nick Turpin
Con más de cuatro metros de altura, Looping Loop de Andrew Sabin partió de un molde realizado con margarina de pastelería, trabajando la forma y la textura a la inversa, para después fundir la pieza en un material desarrollado por el propio artista. Dicho material es resistente, capaz de absorber el color y de adoptar texturas que van de superficies extremadamente lisas a relieves profundamente excavados. Su composición puede incorporar desde mármol hasta vidrio volcánico, produciendo distintos acabados y tonalidades. El resultado es una estructura continua que sube, baja y se retuerce sobre sí misma, llena de perforaciones, texturas y cambios de color. Looping Loop es una forma casi orgánica que parece estar en movimiento en medio de la arquitectura rígida de la City.
13. The Garden of Floating Worlds de Elisa Artesero en la City
Elisa Artesero, The Garden of Floating Worlds (2017) en 70 St Mary Axe. Cortesía de la artista. Foto: © Nick Turpin
The Garden of Floating Worlds (2017) de Elisa Artesero es una columna transparente de dos metros de altura que convierte luz y lenguaje en escultura. Realizada en acrílico transparente y neón azul, la pieza juega con la aparente ingravidez de las palabras y con su reflejo sobre las superficies que la rodean. Artesero trabaja aquí en ese territorio ambiguo entre lo material y lo intangible como una presencia mínima que cambia con la luz, el punto de vista y el movimiento de quienes atraviesan el espacio urbano.
London Sculpture Week 2026 >> East Bank
En el corazón del Queen Elizabeth Olympic Park, East Bank reúne algunas de las principales instituciones culturales y educativas del nuevo este de Londres. Su participación pone el foco en el legado y el presente del arte público en el parque, incluyendo encargos como Trēow of Time, de Larry Achiampong y David Blandy, o el de este año a Thomas J. Price.
14. A Place Beyond de Thomas J Price en East Bank
A Place Beyond de Thomas J Price está situada frente al nuevo V&A East Museum. Se trata deuna figura de bronce de unos 5,5 metros que representa a una joven ficticia, vestida con ropa cotidiana y móvil en mano, construida a partir de observaciones, imágenes y escaneados 3D. Price sustituye al héroe tradicional del monumento público por un cuerpo anónimo que ni siquiera parece posar. La escala y el bronce conservan la solemnidad de la escultura clásica, pero el gesto, la ropa y la actitud pertenecen al presente. La obra cuestiona así quién ha tenido históricamente derecho a ocupar el espacio monumental y da visibilidad a cuerpos habitualmente excluidos de él.
Thomas J Price, A Place Beyond (2026) en la entrada del V&A East, East Bank. Foto: © David Parry//PA Media Assignments para el V&A
15. In Mountains Shadow de A.A. Murakami en East Bank
A.A. Murakami, In Mountains Shadow (2023) en Waterfront Square, East Bank, Queen Elizabeth Olympic Park. Foto © Thierry Bal
La escultura In Mountains Shadow de A.A. Murakami traslada al paisaje urbano un fenómeno casi invisible como es el movimiento del viento. Instalada en Waterfront Square, está formada por una sucesión de mallas superpuestas diseñadas para frenar y modular las corrientes de aire. A.A. Murakami convierte así una fuerza natural en materia escultórica. Sus capas metálicas funcionan como una suerte de montaña artificial que altera el flujo del viento y hace perceptible, a través del cuerpo, aquello que normalmente no podemos ver.
LONDON SCULPTURE WEEK 2026, 19 –27 septiembre
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